Milton Avery 밀턴에브리

Milton Clark Avery (1885년 3월 7일 – 1965년 1월 3일 [1] )는 미국의 현대 화가였습니다. 뉴욕 알트마 에서 태어난 그는 1898년에 코네티컷 으로 이사 했고 나중에는 뉴욕 시로 이사했습니다. 그는 예술가 Sally Michel Avery 의 남편이자 예술가 March Avery 의 아버지였습니다 .

무두장이의 아들로 태어난 Avery는 16세에 지역 공장에서 일하기 시작했으며 수십 년 동안 블루칼라 직종을 이어가며 생계를 유지했습니다. 1915년 매형이 사망하자 Avery는 가족 중 유일한 성인 남성이 되어 9명의 여성 친척을 부양해야 했습니다. 예술 에 대한 그의 관심은 그를 Hartford 에 있는 Connecticut League of Art Students의 수업에 참석하도록 이끌었고 , 수년 동안 그는 보수적인 미술 교육을 받으면서 무명으로 그림을 그렸습니다. 1917년 그는 낮에 그림을 그리기 위해 밤에 일하기 시작했다 . [ 인용 필요 ]

1924년에 그는 젊은 미술 학생인 Sally Michel 을 만나 1926년에 결혼했습니다. 삽화가로서의 그녀의 수입은 그가 그림에 더욱 전념할 수 있게 해주었다. 1930년대부터 두 사람은 로버트 홉스가 "에이버리 스타일"이라고 표현한 "서정적이고 협력적인 스타일"을 개발하기 시작했습니다. [2]

그들은 1932년에 딸 March Avery 를 낳았습니다

1920년대 후반부터 1930년대 후반까지 몇 년 동안 Avery는 뉴욕의 Art Students League 에서 그림과 그림을 연습했습니다 . Roy Neuberger 는 그의 작업을 보고 그가 인정받을 자격이 있다고 생각했습니다. Avery의 작품을 세상에 알리고 존중하기로 결심한 Neuberger는 Gaspé Landscape 를 시작으로 100점이 넘는 그의 그림을 구입하여 전 세계 박물관에 대여하거나 기증했습니다. Avery의 작품이 유명한 박물관 을 순회하면서 그는 매우 존경받고 성공적인 화가가 되었습니다. [ 인용 필요 ]

1930년대에 그는 1930~40년대 뉴욕에 살았던 다른 많은 예술가들 과 함께 Adolph Gottlieb 과 Mark Rothko 와 친구가 되었습니다. Avery 의 빛나는 색상과 단순화된 형태의 사용은 젊은 예술가들에게 영향을 미쳤습니다. [1]

워싱턴 DC 에 있는 필립스 컬렉션 은 1929년 에이버리의 그림 중 하나를 구입한 최초의 박물관이었습니다. 그 박물관은 또한 1944년에 그에게 첫 개인전을 열었습니다. [5] 그는 1963년 미국 예술 과학 아카데미 회원으로 선출되었습니다. [6]

Avery는 1949년에 심각한 심장마비를 일으켰습니다. [1] 회복기 동안 그는 판화 제작에 집중했습니다. [1] 그가 그림을 다시 시작했을 때 그의 작품은 페인트를 다루는 새로운 미묘함과 약간 더 차분한 톤을 향한 경향을 보여주었습니다.

Milton Avery는 1965년 1월 3일 뉴욕 브롱크스 에 있는 Montefiore 병원 에서 오랜 투병 끝에 사망했으며 [7] 뉴욕 얼스터 카운티 우드 스탁 에 있는 예술가 묘지에 묻혔습니다 . 미망인 샐리 에이버리(Sally Avery)는 세상을 떠난 후 스미소니언 연구소( Smithsonian Institution )의 연구 센터인 미국 미술 기록 보관소(Archives of American Art )에 개인 문서를 기증했습니다 . [ 인용 필요 ]

Avery의 작품은 미국 추상 회화의 핵심입니다. 그의 작품은 분명히 표현적이지만 색상 관계에 초점을 맞추고 르네상스 이후 대부분의 전통적인 서양 회화 처럼 깊이의 환상을 만드는 데 관심이 없습니다 . Avery는 특히 그의 다채롭고 혁신적인 풍경화 때문에 종종 American Matisse 로 생각되었습니다. 그의 시적이고 대담하며 창의적인 그림과 색상 사용은 그를 당대의 전통적인 그림과 차별화했습니다. 그의 경력 초기에 그의 작업은 너무 추상적이기 때문에 너무 급진적이라고 여겨졌습니다. 추상 표현주의 가 지배적이 되었을 때 그의 작품은 너무 표현적이라는 이유로 간과되었습니다. [ 인용 필요 ]

프랑스 야수파 와 독일 표현주의 는 에이버리의 초기 작품 스타일에 영향을 미쳤으며 1930년대 그의 그림은 Ernst Ludwig Kirchner 의 그림과 유사합니다 . 1940년대에 이르러 에이버리의 그림 스타일은 앙리 마티스 와 더욱 유사해 졌으며 그의 후기 작품은 매우 미묘하게 색상을 사용합니다. 미술사학자 Barbara Haskell 에 따르면 "고요함과 조화"는 Avery의 모든 작업, 특히 "그 어느 때보다 분노와 불안이 없는 저조한 감정의 세계를 발산한 그의 후기 작업을 특징지었습니다." [1]1981년 에이버리에 관한 책에서 미술사학자 보니 그래드는 에이버리 작품의 관조적이고 서정적인 특성을 예술과 문학의 목가적 양식의 전통에 비추어 보아야 한다고 제안했습니다.

Avery의 레퍼토리는 무엇이었습니까? 그의 거실, 센트럴 파크 , 그의 아내 Sally, 그의 딸 March, 그들이 여름을 보낸 해변과 산; 소, 물고기 머리, 새의 비행; 그의 친구들과 그의 스튜디오를 통해 방황하는 모든 세계: 국내의 비영웅적 출연진. 그러나 이것들로부터 주제의 일시적이고 일시적인 의미와는 거리가 먼 거대한 캔버스가 만들어졌으며 항상 매혹적인 서정성을 가지고 있으며 종종 이집트의 영속성과 기념비성을 달성합니다. [10]

미술 평론가인 Hilton Kramer 는 화려한 삽화가 포함된 Grad의 책에 대한 리뷰에서 다음과 같이 말했습니다.

그는 의심할 여지 없이 최고의 컬러리스트였습니다. ... 그의 유럽 동시대 작가들 중에서 Matisse만이 이 점에서 더 큰 성취를 이뤘습니다



Milton Avery 는 초상화, 정물화, 풍경화로 유명한 미국의 화가였습니다. 그는 유화와 수채화를 모두 사용하여 디테일에 집착하지 않고 장면의 본질을 포착하기 위해 밝은 색상과 양식화된 형태를 광범위하게 사용했습니다. "나는 어떤 주제와도 관계없이 모양, 공간, 색상이 일련의 고유한 관계를 형성하는 그림을 구성하려고 노력합니다."라고 그는 한때 말했습니다. 1885년 3월 7일 뉴욕 알트마에서 태어난 그는 코네티컷에서 자랐고 하트퍼드에서 여러 일을 하면서 미술 수업에 참석했습니다. 1925년 뉴욕으로 이주한 그의 아내 예술가 Sally Michel Avery 는 도시에서 상업 일러스트레이터로 일하면서 두 사람을 지원했습니다. 다음 해에 그는 Mark Rothko 와 같은 당대의 다른 화가들과 친구가 되었습니다 .Adolph Gottlieb , Barnett Newman , 그의 후기 작품인 Green Sea 에 예시된 점점 더 추상적인 스타일 개발(1954). 그의 그림은 워싱턴 DC의 필립스 컬렉션이 그의 작품을 구입한 최초의 박물관이 된 1929년까지 상대적으로 알려지지 않았습니다. Avery의 생애 말년에 그는 여름 동안 뉴햄프셔와 버몬트의 산을 자주 여행했고 겨울에는 뉴욕으로 돌아왔습니다. Phillips Collection과 Whitney Museum of American Art에서 열린 전시회는 중요한 미국 예술가로서의 명성을 더욱 공고히 했습니다. 그는 1965년 1월 3일 79세의 나이로 뉴욕주 뉴욕에서 세상을 떠났습니다. 오늘날 에이버리의 작품은 워싱턴 DC의 국립 미술관, 런던의 테이트 갤러리, 뉴욕 현대 미술관에 소장되어 있습니다. 뉴욕, 로스앤젤레스 카운티 미술관 등이 있습니다.

Husband and Wife 라는 제목의 이 요염한 설문 조사 에는 Milton Avery의 초상화가 있습니다 . 저녁에 그리니치 빌리지에 있는 그의 아파트에 들른 커플을 보여줍니다. 은은한 연보라빛 벽에 기대어 남자는 안락의자에 등을 기대고 밝은 오렌지색을 바라보며 포인트를 주기 위해 손을 들고 가까운 색조의 갈색 옷을 여러 벌 입습니다. 그의 아내는 온통 청록색과 청록색이며, 팔짱을 끼고 겨자색 소파로 물러납니다.

형태는 평평하고 붓 끝으로 페인트에 긁힌 몇 개의 표시를 제외하고는 얼굴이 거의 표시되지 않습니다. 그러나 어쩐지 시간과 공간에서 기분까지 모든 것이 눈에 띕니다. 자주빛은 그림자를 말하며 갈색은 남편의 활기차고 진지한 분위기에 어울릴 것 같은 코듀로이와 트위드를 나타냅니다. 다양한 블루스는 철수 지점까지의 조용함을 나타냅니다. 모든 것은 색깔을 통해 말해진다.

겸손하고 과묵하고 겸손하며 색채에 대한 탁월한 재능과 단순한 우아함을 지닌 Milton Avery(1885-1965)는 미국 미술의 독보적인 거장입니다. 가장 후발주자의 모범이기도 하다. 블루칼라 코네티컷에서 자란 그는 16세에 학교를 그만두고 아버지의 갑작스런 죽음 이후 가족의 여성들을 부양하기 위해 20년 동안 공장에서 일했으며, 내내 미술을 공부하기 위해 야간 학교에 다녔습니다.

Avery의 일상은 일반적으로 오전 6시에 시작되어 일주일 내내 같은 세상을 계속해서 바라보았습니다.
Avery는 풀타임으로 그림을 그리기 시작하기 전 40세, 중추적인 남편과 아내 를 그렸을 때 60세 , 그리고 일반적으로 그의 경력의 정점으로 여겨지는 대규모 풍경화 작업을 시작하기 전에 거의 70세였습니다. 이 그림들은 지금까지 세계적으로 유명합니다. 봄에는 코네티컷, 가을에는 버몬트에 대한 찬송가, 나선형 전나무와 양처럼 모여 있는 나무의 건축물, 소는 밝고 흩어진 자갈처럼 부드러운 녹색 들판을 패턴화합니다.
왕립 아카데미의 쇼(약 70점의 작품, 유럽에서 열린 것 중 가장 포괄적인 작품)는 모든 시대가 풍부하고 공명적으로 고양됩니다. Avery의 팔레트는 신비한 방식으로 당신에게 작용합니다. 1957년에 소파에 앉아 있는 두 명의 여성 인물과 그들 사이에 책이 펼쳐져 있는 그림은 칙칙한 갈색과 황토색이 더 짙은 회색 물병이 놓인 회색 탁자에 의해서만 안도되는 의기소침해야 합니다. 그러나 그것은 노래하고 눈을 진정시킵니다. 그것의 곡선 형태는 부드러운 운율 체계처럼 서로 맞물립니다. 그 그림은 시 읽기 라고 불립니다 .

그의 예술에 등장하는 두 여성은 일반적으로 그의 삶에 등장하는 여성입니다. 에이버리의 아내와 딸, 둘 다 예술가입니다. 어퍼 웨스트 사이드에 있는 그들의 마지막 아파트 사진은 세 사람 모두가 진행 중인 작업을 보여줍니다. Barnett Newman과 마찬가지로 Mark Rothko는 오랜 친구이자 스승의 영향을 많이 받은 Avery의 추도식 연설 장면을 기억했습니다. 이 쇼에 대한 설명이 될 수 있습니다.
Avery는 유성 페인트를 수채화의 투명한 농도로 희석하여 떠 다니는 패치와 베일로 표면에 놓였습니다. 때때로 그는 연필이나 파이프의 윤곽선, 녹슨 색의 가을 나무에 잎사귀처럼 나타나는 수평의 흠집을 그 위에 적었습니다. 때때로 한 색의 붓놀림이 다른 색의 붓놀림과 합쳐져 부드러운 전율을 만들어냅니다. 마치 검은색 배경에 대한 백설 공주 누드에서 중첩이 희미하게 빛납니다.

그는 거의 전적으로 색상을 통해 공간의 환상을 창조하지만 Matisse로부터 눈에 띄게 배운 교훈은 항상 기본 표기법에 대한 매력이 있습니다. 물을 휘젓고 물의 표면을 절개 하는 쾌속정 항적 의 호를 어떻게 설명할 수 있습니까 (그림과 페인팅의 놀라운 하이브리드). 화려한 색상의 구름 아래에서 중국 수채화의 온전한 검소함으로 가지를 칠함으로써 나무와 나무를 구별하는 방법. 거의 눈에 띄지 않는 브러시 스트로크의 지그재그로 욕실 거울의 광택을 나타내는 방법.

메인주의 해변에서 여름에 그린 그림은 맨해튼의 긴 겨울에 그림이 되었습니다. 이러한 많은 장면에는 지속적인 열감이 잠재되어 있습니다. 그에게 해변은 캔버스와 같다. 다양한 색상의 모래 위에 추상적인 형태처럼 배치된 모든 인물, 수건 및 갑판 의자. 결국 이러한 형태는 모두 사라지고 해변은 노란색, 파란색 및 뜨거운 하늘을 나타내는 빛나는 주황색의 가로 줄무늬 깃발이 됩니다. 이 그림들에서 Rothko의 누미누스 직사각형과 유사점을 찾는 것은 어렵지 않습니다

그러나 Avery는 자신이 본 적이 없는 것을 발명한 적이 없습니다. 추상화에 가까울지라도 그의 그림은 언제나 구상적이다. 읽고, 말하고, 먹는 친구들; Avery 아파트는 항상 동료 화가들로 붐볐지만 그 자신은 스케치북을 들고 조용히 떨어져 앉았다고합니다. 그의 딸의 장난감 악어가 한 인테리어에 나타납니다. 창문을 통해 다른 곳에서 인접한 브라운스톤을 볼 수 있습니다. 색상은 드레스의 노란색, 벽의 자두와 같이 아파트의 다른 캐릭터처럼 그 자체로 특별한 존재가 되는 경우가 많습니다.

지식이 전부입니다. Avery의 일상에서 환자 작업은 일반적으로 오전 6시에 시작되어 일주일 내내 같은 세상을 계속해서 바라보았습니다. 적어도 이번 쇼에서는 그가 낯선 곳으로 길을 잃을 때만 예술이 잘못됩니다. 여기에는 스트립 쇼처럼 보이는 끔찍한 그림을 포함하여 1930년대부터 놀랍도록 서투른 세 가지 초기 장면이 있습니다.

Avery 가족은 1952년에 유럽을 방문하기 위해 단 한 번 미국을 떠났습니다. 그 여행에서 파생된 그림은 연보라색, 회색 및 차분한 녹색의 낮은 톤 팔레트에서 빛나고 모양은 가장 우아한 구성으로 균형을 이룹니다. 템스 강의 배는 거대한 검은 강에서 빛나는 옅은 분홍색과 민트 그린의 두 가로 막대로 묘사됩니다. 런던은 갑자기 코드 곶처럼 신비롭게 아름답습니다.
여기에서 가장 작은 그림은 Avery가 73세에 건강이 매우 좋지 않았을 때 그린 1958년의 자화상 입니다. 그것은 일반적으로 즐겁고 자기 표현입니다. 한 움큼의 연필 자국은 붓을 의미하고, 그의 서명은 바지에, 각 다리에는 이름이 하나씩, 몸은 연분홍 저지로, 머리에는 붉은 불꽃이 있습니다. 아무것도. Avery가 정확히 무엇인지: 순수하고 의기양양한 피부색의 남자.


Avery가 당시 최고의 화가 중 한 명이었다는 것을 의심하는 사람이 아직도 있습니까? 아마도 - 하지만 그 이유는 우리가 회화를 바라보는 방식이나 보아야 하는 방식보다는 미술사를 바라보는 방식과 더 관련이 있습니다. Avery는 '거대한' 역사적 공식화에 자신을 빌려준 예술가가 아니었습니다. 어떤 이론도 그의 작업을 지지하지 않았고, 어떤 선언문도 그의 '아이디어'를 발표하지 않았으며, 어떤 프로그램이나 학교도 그의 실천에서 추론할 수 없었습니다. 그가 강의를 하거나 논쟁을 벌이거나 운동을 주도하는 모습을 상상할 수 없습니다. 중요한 예술적 인물의 출현에 수반되는 지적 소음은 그의 예술 주변에서 들리지 않았으며, 그의 예술은 전선에서 격렬한 전투에서 분리되는 방법을 가지고 있었습니다.

그런 종류의 소음이 의미 있는 예술이라는 개념 자체에 절대적으로 필요하다고 생각하는 사람들, 말하자면 눈이 아닌 귀로 그림에 접근하는 사람들에게 Avery는 당연히 이해하기 힘든 인물이었습니다. 물론 그는 존경받을 수 있었고 실제로 그랬습니다. 그러나 지적인 투쟁에 별로 관심이 없는 예술가를 중요하게 여길 수 있을까? 누가 확신할 수 있겠습니까? 그가 결코 추상화가가 아니었다는 것도 한동안 그에게 불리한 문제였습니다. 추상화는 높은 야망이나 역사적 필연성 또는 이 둘의 조합에 대한 궁극적인 시험으로 간주되었고 Avery는 이를 통과하지 못한 것으로 판단되었습니다. 이 모든 것은 예술사의 정통이 다른 신앙의 정통만큼 눈이 멀 수 있다는 것을 상기시켜줍니다.

이것은 이제 고대 역사입니다. 추상화는 우리 사이에서 계속 번성하고 있지만 더 이상 예전처럼 배타적이거나 종파적인 충성심을 요구하지 않습니다. 우리는 이제 그것의 에너지도 지칠 수 있고 따라서 공허한 수사로 변질될 수 있다는 것을 압니다. 따라서 우리는 활발한 대안에 더 개방적입니다. 시간은 다른 측면에서도 Avery에 대한 우리의 관점을 변경했습니다. 회화에서 색의 역할이 급진적인 우선 순위로 승격된 시기를 겪으면서 우리는 에이버리가 이 유서 깊은 회화적 자원에 가져온 절대적인 숙달을 더 잘 이해할 수 있는 위치에 있습니다. 그는 의심할 여지 없이 최고의 컬러리스트였습니다. 컬러 필드 추상화의 전체 발전 과정에서 일어난 어떤 일도 그가 색상의 회화적 사용에 아낌없이 쏟아부은 발명품과 기교에 필적하거나 능가한다고 말할 수 없습니다. 그의 유럽 동시대 작가들 중에서 Matisse만이 - 물론 그의 예술에 많은 빚을 졌습니다 - 이 점에서 더 큰 업적을 남겼습니다. 그리고 Avery는 Matisse와 마찬가지로 이러한 색상의 숙달을 매우 유창하고 예리한 표현 스타일과 결합할 수 있었습니다. 심지어 Avery의 경우에는 때때로 매우 뚜렷한 유머 감각과 결합할 수 있었습니다. 그것의 순전한 회화적 힘을 빗나가게 하는 것은 이제 참으로 매우 놀라운 성과처럼 보입니다.

광고

메인 스토리 계속 읽기

이런저런 이유로 최근 몇 년 동안 Avery는 역사의 속도로 달리고 있는 것처럼 보였던 수많은 토끼를 이긴 거북이로 떠올랐습니다. Borgenicht's의 새 전시회는 우리에게 그를 이 승리로 이끈 발전에 대한 회고적 설명을 제공하지 않습니다. 왜냐하면 Barbara Haskell이 1982년 가을 휘트니 박물관에서 조직하는 전시회를 기다려야 하기 때문입니다. 그의 업적의 질이 풍부하게 드러나는 대부분 후기 사진의 눈부신 그룹.

편집자 추천
세일할 때 사야 할 17가지 식품
2023년 1월 13일
새해 복 많이 받으세요. 이제 집에 계십시오.
2023년 1월 14일
'Hood Century': 한 사람이 세기 중반 현대 건축을 재정의하는 방법
2023년 1월 15일
작가가 쓰러진다. 그가 회복하는 동안 그의 파견은 독자를 사로잡습니다.
2023년 1월 14일
인스턴트 푸딩 믹스의 힘
2023년 1월 13일
그리고 2023년 오스카 후보는…
2023년 1월 5일
When Did We All Become Pop Culture Detectives?
Jan. 13, 2023
The State of Kate
Jan. 13, 2023
Bring Out Your Dead (Christmas Trees)
Jan. 14, 2023
John Cale’s Musical Journey Knows No Limits
Jan. 14, 2023
대부분의 이 그림에서 볼 수 있듯이 후기 에이버리(Avery)는 후기 터너(Turner), 후기 모네(Monet), 후기 마티스(Matisse)와 특정한 유사점을 제시합니다. 1930년대 이후 Avery의 성숙한 스타일은 명확성, 단순성 및 경제성으로 인해 항상 주목을 받았습니다. 그림은 어린아이의 그림 퍼즐 조각처럼 그림 표면에 꼭 맞고 불가피하게 꼭 맞는 자유로운 형태의 형태에 포함된 아주 적은 수의 매우 평평한 영역으로 구성된 것처럼 보였습니다. 때때로 이러한 경향에 내재된 충동이 추상화에 빠지지 않고는 더 이상 나아갈 수 없는 것처럼 보였습니다.

타임즈를 읽어주셔서 감사합니다.
타임즈 구독
그러나 내가 언급한 '후기' 스타일의 본질적 특성을 희생하지 않으면서 단순함으로 더 도약하고 강렬함을 증가시킴으로써 이 문제를 협상하는 것은 바로 그 ''후기'' 스타일의 본질에 있습니다. Avery는 Turner, Monet 및 Matisse의 후기 작품에서 우리에게 친숙한 라인을 따라 이러한 돌파구를 달성했습니다. 그가 채택한 형태의 요약적 특성에 대한 균형추로서-그들이 묘사하는 주제에 간신히만 붙어 있는 형태-그는 표면을 포화시키는 색상의 무게와 강도를 높였습니다. 따라서 색의 배치에는 이전에 드로잉으로 유지되었던 회화적 기능의 일부가 포함되었습니다. 무엇보다도 Avery의 후기 그림에 특별한 품질을 부여하는 것은 바로 이것입니다. 언뜻 보기에, 표현의 급진적인 단순화가 더 알고 나면 새롭고 더 깊은 복합성이 되는 것처럼 말입니다. 다른 '후기' 스타일과 마찬가지로 Avery's는 처음 만나는 것처럼 쉽거나 접근하기 쉽지 않습니다. 그것은 빠르게 포괄할 수 없는 깊이를 품고 있습니다.

방금 나온 Avery의 작업에 관한 새 책인 "Milton Avery"(Strathcona Publishing Company, $85)에 대한 Bonnie Lee Grad의 텍스트에서 흥미로운 점은 그의 예술에 접근하기 위해 이러한 스타일 고려 사항을 외면한다는 것입니다. 내용이나 주제의 관점에서. 이것은 Avery의 그림에 대한 비평에서 아주 새로운 것이며, 형식주의적인 고려 외에는 비평적 논의의 가치가 없다고 생각되는 독자들을 화나게 할 것이 확실합니다. 따라서 처음부터 Grad 교수는 Avery 스타일의 순전히 그림적인 구성 요소를 완전히 인식하고 있으며 필요한 지능으로 이에 대해 논의할 수 있음을 보여주고 있다고 말하는 것이 좋습니다. 그러나 그녀가 밝히고자 하는 것은 이 그림의 중심에 있는 비전의 더 큰 문화적 의미입니다. 물론 이것은 예술가의 작업에 대한 모든 본격적인 설명이 최종적으로 수행해야 하는 것이며, 그녀가 이번 기회에 시도한 것을 축하해야 한다고 생각합니다.

광고

메인 스토리 계속 읽기

Grad 교수가 보기에 이 작업의 핵심은 Avery의 예술이 서양 시와 그림의 목가적인 관습에 부합하는 방식을 어느 정도 이해하는 것입니다. Renato Poggioli의 "The Oaten Flute", Barbara Novac의 "Nature and Culture", Leo Marx의 "The Machine in the Garden"과 같은 목가적 전통에 대한 연구에서 힌트를 얻은 Grad 교수는 우리에게 목가적 양식의 목가적인 비전은 그것이 배제하는 것, 즉 노동의 부담, 도시 생활의 압박, 기계의 위협, 그리고 전체 ''자연의 불친절한 측면''으로 정의되며 그녀는 Avery의 그림을 찾는 데 거의 어려움을 겪지 않습니다. 이 전통의 경계 내에서 굳건히.

그의 작품에서 우리에게 공개된 비전에 대해 그녀는 다음과 같이 썼습니다. 그곳에서는 사람이 수고하지 않고 계절이 바뀌지 않으며 폭풍이 불지 않습니다. 죽음은 없습니다. Avery의 주제에 대한 현저한 배타성은 특히 목가적 양식을 다루는 다른 미국 화가들과 비교하여 그가 거부하는 것을 검토함으로써 가장 잘 알 수 있습니다. 무엇보다도 Avery의 예술을 특징짓는 것은 목가적인 세계에 대한 위협이 없고 무한정 지속된다는 것입니다.''

이러한 관점에서 Grad 교수는 서정시의 내용을 설명하는 문학 평론가의 방식이 아니라 Avery의 작품에 대한 몇 가지 가까운 '독서'를 제공하며, 그녀가 말했듯이 작업은 '목가적 방식에 영향을 미칩니다.'' 나는 Avery의 작업과 Grant Wood의 작업 또는 Thomas Hart Benton의 작업을 비교할 만한 가치가 있다고 생각하지 않았을 것입니다. 그러나 나는 그것이 에이버리의 그림적 비전의 특수성에 대한 매우 생생한 감각을 우리에게 남겨준다는 것을 인정하지 않을 수 없다.

Grad 교수는 시각의 특수성을 Avery 스타일의 특징적인 속성과 연결하여 작업을 더 수행합니다. 따라서 그녀는 우리에게 '전체' 예술가에 대한 설명을 제공하고, 예술가의 일대기(그가 살았던 삶의 종류와 그림에서 그가 작업한 바로 그 방식)를 자신에게 통합하도록 관리합니다. 내용과 형식을 분석합니다. 이 모든 것은 Avery의 업적에 대한 우리의 이해를 확실히 발전시켰음을 나타냅니다. 그녀가 잘못한 부분은 그의 작품을 유럽의 후기 인상파 그림의 관습에 맞추지 못한 점이라고 생각합니다. Seurat, Gauguin, Matisse, Dufy 및 Bonnard의 그림에서 우리가 이해하는 세계는 Avery에서 보는 것과 더 직접적으로 관련이 있습니다. 그랜트 우드나 토머스 하트 벤튼, 또는 그래드 교수의 글에서 논의된 다른 미국인들에게서 발견되는 그 어떤 것보다 예술입니다. 목가적 양식은 결국 미국 문화에 기원을 두지 않았고 Avery의 예술은 동정녀 탄생의 산물이 아니었습니다.

그럼에도 불구하고 Grad 교수가 Avery에 대한 논의를 매우 흥미로운 방향으로 진행했다는 사실은 부인할 수 없습니다. 적어도 그녀는 형식주의자들의 손과 그 자체로 작은 성취가 아닌 현재의 예술적 분위기에서 그를 구해냈다. 그나저나 이 새 책의 판은 내가 본 Avery 복제본 중 최고이며 책 전체가 아름답게 제작되었습니다. 물론 그림을 대신할 수는 없지만 모두 같은 것이 있다는 것은 매우 좋은 일입니다.



그는 색채의 대가였다.
예술가와 비평가 모두 Avery의 캔버스에 색상을 사용하고 적용한 것을 칭찬했습니다.

1952년 존경받는 미술 교사인 한스 호프만(Hans Hofmann)은 이렇게 말했습니다. 그는 플라스틱 방식으로 색상을 연관시킨 최초의 사람 중 한 명입니다.”

그의 초기 인상파 풍경화부터 후기의 밝고 평평한 형태의 그림에 이르기까지 Avery의 경력은 색상에 대한 뛰어난 직감으로 특징지어집니다.

Milton Avery 초보자 가이드

밀턴 에이버리를 모르십니까? Barnett Newman과 Mark Rothko에게 영향을 준 환상적인 아티스트에 대한 편리한 가이드입니다.

밀튼 에이버리, 꽃이 만발한
밀튼 에이버리,
꽃이 만발한, 1918.

그는 색채의 대가였다.
예술가와 비평가 모두 Avery의 캔버스에 색상을 사용하고 적용한 것을 칭찬했습니다.

1952년 존경받는 미술 교사인 한스 호프만(Hans Hofmann)은 이렇게 말했습니다. 그는 플라스틱 방식으로 색상을 연관시킨 최초의 사람 중 한 명입니다.”

그의 초기 인상파 풍경화부터 후기의 밝고 평평한 형태의 그림에 이르기까지 Avery의 경력은 색상에 대한 뛰어난 직감으로 특징지어집니다.

밀튼 에이버리, 전차 경주
밀튼 에이버리,
전차 경주, 1933년.

그는 예술가이기 이전에 공장 노동자였다.
1885년 코네티컷의 노동계급 가정에서 태어난 Milton Avery의 화가가 되기 위한 길은 명확하지 않았습니다. 그는 16세에 학교를 그만두고 10년 동안 얼라이너, 어셈블러, 선반공, 기계공 등 다양한 공장에서 일했습니다.

1905년 Avery는 코네티컷에서 상업 문자에 대한 야간 수업에 등록하면서 예술가가 되기 위한 첫 걸음을 내디뎠습니다. 다행히 그의 튜터는 그에게 대신 생활 그리기 수업으로 전환하라고 조언했습니다.

그리하여 뉴잉글랜드에서 15년간의 예술 교육이 시작되었습니다. Avery는 헌신적인 미술 학생이었으며 1915년부터 그의 작품이 자주 축하되는 전시회에 출연하기 시작했습니다. 1919년 한 전시회가 끝난 후 동료 예술가는 "Mr Avery는 시를 쓰기 위해 붓과 캔버스를 사용했습니다"라고 말했습니다.

그의 아내는 그의 가장 큰 후원자였습니다.
1924년 Avery는 훨씬 젊은 예술가인 Sally Michel을 만났고 두 사람은 결혼하여 뉴욕으로 이사했습니다. 그들은 빈약한 생계를 이어가는 행복하고 든든한 부부였습니다.

남편의 예술적 능력에 대한 그녀의 강한 믿음으로 Sally는 Avery가 남은 생애 동안 자신의 그림에만 계속 집중할 수 있도록 상업 그림 작업을 맡아 두 사람을 지원하기로 결정했습니다.

Sally도 남편을 위해 앉았습니다. Mark Rothko에 따르면 Milton Avery의 주제 "레퍼토리"는 "그의 거실, 센트럴 파크, 그의 아내 Sally, 그의 딸 [March]… 그의 친구 및 그의 스튜디오를 통해 길을 잃은 모든 세계"였습니다.

그는 규칙을 따르지 않았다
"나는 따라야 할 규칙이 없습니다… 나는 나 자신을 따릅니다"
Avery가 작업한 기간은 미국 인상주의와 추상 표현주의 사이에 걸쳐 있었으며, 두 운동 모두에서 배우고 반응했지만 어느 쪽도 따르거나 헌신하지 않았습니다. 대신 그는 자신의 길을 개척하기 위해 끊임없이 노력했습니다.

1920년대 후반에 Avery는 활동적인 표면, 인상주의적 붓놀림, 뉴잉글랜드의 청록색 팔레트를 버리고, 때때로 강조 색상이 튀어나오는 더 어두운 색조의 더 넓고 평평하며 얇게 칠해진 영역을 선호했습니다.

Avery는 자신의 작업에 대해 다음과 같이 말했습니다. 이를 위해 나는 색과 무늬만 남기고 없애고 단순화한다.”

그는 Mark Rothko와 친구였습니다.
1929년 월스트리트 붕괴로 미국이 10년에 걸친 불황에 빠졌음에도 불구하고(Avery는 실업자 예술가들을 위한 뉴딜 프로그램에 잠시 참여했다가 자존심이 더 강해졌습니다) 뉴욕시의 문화 생활은 1920년대.

1929년에는 현대 미술관 이 설립 되어 즉시 국제 미술 전시 프로그램을 시작했습니다.

1928년 Avery의 작품은 젊은 예술가 Mark Rothko의 작품이 포함된 새로운 Opportunity Gallery의 그룹 전시회의 일부로 선정되었습니다. 이것은 그들의 우정의 시작을 의미했습니다. Rothko를 통해 Avery는 다음 해에 Adolph Gottlieb을 만났고 나중에 Barnett Newman을 만났으며 모두 친해지고 존경하는 친구가 되었습니다.

그는 자신의 일에 열심이었다
Avery는 빠르게 작업했고 그의 결과물은 엄청났습니다. 1944년에만 그는 100점의 유화를 그렸습니다. 그의 아내 Sally는 다음 그림에 대해 끊임없이 생각하고 있었기 때문에 캔버스에 직접 작업을 시작했을 때 이미 자신이 가고자 하는 방향에 대한 명확한 감각을 가지고 있었다고 말했습니다. 그의 목표는 그가 목격하고 기록한 순간을 재현하는 것이 었습니다.

놀랍게도 Avery는 스튜디오에서 일하지 않고 자신의 집에서 일했습니다. 그의 딸 March는 “그는 항상 거실에서 그림을 그렸습니다.[… 정오에 점심을 먹으러 휴식을 취하십시오. 그런 다음 그는 오후 5 시경까지 오후에 그림을 그렸습니다. 그는 그림을 그릴 준비를 할 때 앉아서 담배를 피우곤 했습니다.” March는 그녀의 아버지가 "공장 노동자처럼" 그림에 접근했고 그는 결코 예술가의 블록이 없었고 항상 하루 만에 그림을 끝내는 데 성공했다고 말했습니다.

그는 피카소라는 애완견을 키웠습니다.
Avery는 Pablo Picasso의 작품을 존경했을 것입니다. 그들의 그림은 여러 쇼에서 서로 나란히 걸려 있었고 Avery는 한때 그의 갤러리스트의 150 Picasso 작품 컬렉션을 숙독했습니다. 그러나 Avery에 대한 Picasso의 영향은 Avery가 스페인 예술가의 이름을 딴 검은 코커 스패니얼을 가지고 있다는 점에서 가장 분명합니다.

March Avery는 그녀의 아버지가 “[Picasso]에게 매우 인내심이 많았고 그에게 눕고, 뒤집고, 죽은 척하는 등 많은 요령을 가르쳤습니다. 그는 매우 우아한 개였습니다.” 3월에 따르면 중요한 갤러리 소유자(가족은 "백만장자 클럽"이라고 함!)가 그녀의 아버지의 작품을 보러 올 때 "피카소는 작품 전체를 걸어 다녔고 괜찮았습니다. 그들이 그것을 사기 전까지는요! 그런 다음 그들은 개가 걷는 것을 원하지 않았습니다.”

그는 과묵하기로 유명했다
Avery는 수많은 아름다운 그림을 우리에게 남겼지만 그의 창작 과정과 아이디어에 대한 글은 거의 없었습니다. 실제로 그는 사회적으로도 조용한 사람이었다고 한다.

Avery의 딸 March는 아버지가 아무 말도 하지 않고(어머니를 화나게 할 것입니다!) 며칠이 지나갔다고 회상합니다. 분명히 Avery는 "그림을 그릴 수 있는데 왜 말합니까? "라고 말한 적이 있습니다.

그러나 Avery는 아파트에서 Sally와 파티를 주최하고 Rothko와 Gottlieb을 비롯한 헌신적인 젊은 예술가들을 접대하는 등 사교 활동을 좋아했습니다. 마치는 “그를 아는 사람들은 때를 기다렸다가 한 문장으로 가장 웃기거나 직설적인 말을 해준다고 한다. 그리고 다시 아무 말도 하지 않은 상태로 돌아가서… 그는 캔버스에 모든 것을 말했습니다.
그는 야외에서 그림을 그렸습니다.
50년 동안 Avery는 자연 세계를 묘사했으며 그 과정에서 점차 세부 사항을 생략하고 형태를 왜곡하고 비연관적 색상을 사용했습니다.

분주한 뉴욕에 살 때도 도시 풍경은 그에게 관심이 없었고 대신 코네티컷으로 가족 휴가를 보내면서 초창기 풍경으로 돌아가 엄청난 양의 스케치를 그렸습니다.

Avery는 종종 야외에서 그림을 그렸고, 학생 시절부터 시골이나 해변으로 작은 캔버스를 가지고 가면서 19세기 후반 방식으로 야외 에서 그림을 그렸습니다

그는 60대에 주류 성공을 거두었습니다.
1952년이 되어서야 67세의 나이에 Avery는 그의 첫 번째 본격적인 회고전 박물관 전시회를 받았습니다. 볼티모어 미술관(Baltimore Museum of Art)에서 개관한 이 85점의 대규모 전시는 축소된 형태로 워싱턴 DC, 하트퍼드 및 보스턴의 다른 장소로 이동했습니다.

이 전시회는 Avery가 거의 40년 동안 활동했음에도 불구하고 아직 경험하지 못한 수준의 전국적인 노출을 제공했습니다.